Frida Kahlo

(1907-1954), pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. El día de su entierro, el féretro de Frida fue cubierto con la bandera del partido, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su casa de Coyoacán fue transformada en Museo y lleva su nombre.

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¿Quién es Victoria Frances?

(*25 Octubre 1982) es una ilustradora original de la localidad de Valencia España. Es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia.
Los trabajos de Victoria Francés están inspirados en el movimiento gótico: mujeres fantasmales con vestidos largos son tal vez los personajes más comunes encontrados en su arte. Recibe influencias de varios escritores, entre los que se encuentran Edgar Allan Poe,Anne Rice, Goethe, Baudelaire, Bram stoker, de ilustradores como Luis Royo y Brom, pintores prerafaelitas como J.W. Waterhouse o J.E. Millais y grupos de música entre los que destaca a Dark Santuary.
Sus primeras obras fueron publicadas en España por Norma Editorial, hasta que finalizó la serie Favole y cambió de editorial a Planeta de Agostini. Posteriormente, la editorial estadounidense Dark horse se interesó por su trabajo y desde entonces ha publicado sus obras en Norteamérica, aumentando así su base de seguidores. Se dio a conocer en el XXII Salón del Comic de Barcelona, donde hizo su primera aparición pública y ganó el respeto de autores de renombre.

¿Qué es un "Haiku"?

(俳句, haiku), derivado del haikai, consiste en un poema breve de tres versos de cinco, siete y cinco sílabas respectivamente. Es una de las formas de poesía tradicional japonesa más extendidas.

consta de 17 moras (unidad lingüística de menor rango que la sílaba) dispuestas en tres versos de 5, 7 y 5 moras, sin rima. Suele contener una palabra clave denominada kigo (季語, 'kigo'), que indica la estación del año a la que se refiere.
Tradicionalmente el haiku, así como otras composiciones poéticas, buscaba describir los fenómenos naturales, el cambio de las estaciones, o la vida cotidiana de la gente. Muy influido por la filosofía y la estética del zen, su estilo se caracteriza por la naturalidad, la sencillez (no el simplismo), la sutileza, la austeridad, la aparente asimetría que sugiere la libertad y con ésta la eternidad.

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Fotografía

La palabra fotografía se deriva de los vocablos de origen griego: foto (luz) y grafía (escritura), por lo que representa la idea de escribir o dibujar con luz.
Como invento científico del siglo XIX, alteró la percepción de la humanidad sobre el mundo que le rodeaba.
La imitación aparente de la realidad por medio de la luz fue vista como un milagro, ya que significaba la realización de un antiguo deseo: reproducir un mundo creíble. Esta imagen, reflejo del mundo real químicamente grabada en papel, fue creada en una caja milagrosa llamada cámara oscura, dando como resultado imágenes que forman parte de la memoria del tiempo y el espacio, recreando situaciones pasadas formando así un archivo visual.

A partir de este "lenguaje universal" se desarrolló un nuevo lenguaje artístico limitado por su contexto histórico. Durante el siglo XIX, los fotógrafos se conformaron con la estética de su tiempo considerando a la fotografía simplemente como un medio adicional para la percepción y recreación de la realidad.
Con el tiempo la conciencia que se tuvo de la imagen fotográfica creció, por lo que alcanzó su autonomía al desarrollar una estética propia, lo que contribuyó a que en poco tiempo se ganara la aceptación del público.
Así, los mejores artistas del siglo XX comenzaron a realizar nuevas propuestas fotográficas a partir de la realización de retratos en blanco y negro.

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Paganini y su pacto con el diablo...

El 27 de octubre de 1782 nació en Génova una de las figuras más emblemáticas de la música clásica, se trataba de Niccolo Paganini. Su singular personalidad, su especial talento musical y la leyenda que giró en torno a su figura han sido el origen de, al menos, 30 estudios biográficos.

Fue un niño prodigio, su padre le envió al maestro Alessandro Rolla para que le enseñara el arte musical, pero éste, tras escuchar un concierto del pequeño, no pudo por menos que decirle: “... no tengo nada que enseñarte”.

A los 41 años dio un concierto en La Scala, que siguió de once más durante las seis semanas siguientes, viajó por gran número de ciudades europeas ofreciendo numerosos conciertos; cuando su fama alcanzó la cima, incrementó sus honorarios en cuatro o cinco veces, lo cual le generó una fama de avaro, que no es del todo exacta, pues en cierta ocasión extendió un cheque a Berlioz, a quien acababa de conocer, por valor de veinte mil francos, para ayudarle a salir de su penuria económica.A pesar de la gran fortuna que consiguió amasar en pocos años, continuó vistiendo con pantalones negros y abrigos largos y deshilachados, lo cual dio origen a un perfil inconfundible.

Era tan extraordinaria su habilidad con el violín que corría la leyenda que la había alcanzado por medios no naturales, se rumoreaba que en cierta ocasión había matado a un rival, siendo condenado por ello a presidio y que allí había vendido su alma al diablo a cambio de conseguir estas dotes tan portentosas.Esta leyenda guarda un gran paralelismo con Mefistófeles, uno de los personajes de Fausto, creación del genial Goethe. Otra leyenda afirmaba que hallándose encarcelado, por haber matado a su amante, interpretó bellas composiciones en su celda con tan sólo una cuerda de su “Guarneri”, por habérsele roto las tres restantes, complejos fragmentos violinísticos.cuando tocaba su codo cruzaba por encima del otro codo; la flexibilidad de Paganini era tan grande que la uña del dedo pulgar llegaba a tocar el dorso de su mano, esta hiperlaxitud le permitía tocar tres octavas con poco esfuerzo. Se sabe que voluntariamente podía flexionar lateralmente la articulación de sus falanges distales; en varias ocasiones fue preguntado acerca de su mágico secreto, a lo cual el genial compositor siempre respondía que lo revelaría cuando se retirara, desgraciadamente se llevó tan codiciado secreto con él, sin duda sus prodigiosas dotes interpretativas se debieron a un trastorno del tejido conectivo como ahora veremos.
Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de ojos negros, piel blanca como la cera, pelo largo y negro, nariz prominente y estatura media; la coloración de la piel adoptaría, algunos años después, un tinte gris plateado, debido al tratamiento mercurial que recibió para la sífilis. Dicho tratamiento también fue el responsable de la pérdida de las piezas dentarias y de las molestias estomacales que acompañaron al compositor a lo largo de sus últimos años.
El síndrome de Marfan es el trastorno más frecuente del tejido conectivo, caracterizado por una alteración del metabolismo del colágeno, entre sus manifestaciones musculoesqueléticas se encuentran la aracnodactilia, la desproporción esquelética y una elevada estatura. Como ya hemos citado, Paganini era de estatura mediana, en cuanto a la aracnodactilia, en el Museo del Conservatorio de París se guarda un molde de la mano de Paganini, el cual es de forma y dimensiones normales, su dedo índice mide 10.1 cm y su dedo pulgar, en extensión, 6.7 cm. Estos hechos hacen poco probable que el compositor sufriera una enfermedad de Marfan.
El síndrome de Ehlers-Danlos se caracteriza por existir laxitud e hipermovilidad articular, con mayor capacidad de estiramiento, características que poseía Paganini. Este síndrome comprende, al menos, 11 tipos diferentes, dado que Paganini vivió durante 58 años, es poco probable que presentase el tipo IV, caracterizado por acortamiento de la longevidad y por presentar menor extensibilidad. Probablemente el músico italiano sufrió un tipo III, caracterizado por ser benigno y porque la gran laxitud articular no se suele acompañar de excesivas deformidades esqueléticas.
De forma gradual fue perdiendo su voz y permaneció afónico durante los dos últimos años de su vida, entre los diagnósticos diferenciales se barajan la laringitis tuberculosa y la lesión del nervio recurrente secundaria a un aneurisma aórtico; en cualquier caso, falleció en Niza el 27 de mayo de 1840.
La fama de endemoniado persiguió a Paganini hasta la muerte, pues el obispo de Niza le negó sepultura eclesiástica, al haberse negado a recibir la Extremaunción los días previos a su fallecimiento por pensar que todavía no había llegado su hora. Su cuerpo fue embalsamado durante dos largos meses y posteriormente, por espacio de un año, fue depositado en el sótano de la casa de su hijo, finalmente fue enterrado en el lazareto de Villefranche, pero aquí no terminaría la peregrinación, ya que años después sería trasladado a otros cementerios, hasta alcanzar el de Parma, en donde reposa actualmente.
El excentricismo de Paganini y su “endiablada” habilidad propiciaron que muriera sin fundar ninguna escuela musical.

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El Lago de los Cisnes

Es el primero de los tres ballets que escribió el compositor ruso Tchaikoivsky (1840-1893).
Originalmente encargado al maestro por la ópera de Moscú, este ballet es uno de los más conocidos. Su primera presentación tuvo lugar en el Teatro Bolshói de Moscú con la coreografía de Julius Reisinger en 1877. Paradójicamente, no fue muy aceptado en su momento. Sin embargo, el 15 Enero de 1895, con la nueva coreografía de Marius Petipa y de Lev Ivanov esta obra logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Marius Petipa se encargó del primer y tercer acto (actos en el castillo) y Lev Ivanov del segundo y cuarto acto (actos del lago).
Uno de los mejores lugres para disfrutar El lago de los cisnes es en el escenario natural de la Isleta Menor del Viejo bosque de Chapultepec.

Romeo & Julieta

Es una tragedia escrita por William Shakespeare que describe la relación sentimental de dos jovenes enamorados cuyas muertes consiguen deshacer la rivalidad entre sus respectivas familias. Es una de las puestaas en escena más populares de Shakespeare, llegando a ser considerada como una de las representaciones que más han sido escenificadas desde su aparición, al igual que Hamlet. Sus protagonistas son considerados como los clásicos arquetipos del "amor prohibido".

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Técnicas de pintura.

Se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos al soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante permanecen dispersos en él.

Óleos:Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento son aceites y el solvente es trementina.

Acuarela y témperas: Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias.

Gouache: se le llama también “el color con cuerpo”. Es una pintura al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, por ello es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio - o aglutinante - es la goma arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico.

Cera: Cuando el vehículo son ceras que normalmente se usan calientes.

Acrílico: Cuando el vehículo usado son diversos materiales sintéticos que se diluyen en agua. La viscosidad puede ser como el óleo (la presentación también ya que vienen en tubos). Como la trementina, solvente del óleo, desprende olores tóxicos .

Pastel: son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta, la palabra pastel deriva de la pasta que así se forma, esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles o espátulas, ni de solvente alguno) sobre la superficie a trabajar (generalmente papel o medera).

Temple: Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína. Tradicionalmente se mezcla yema de huevo con agua destilada, pero también se puede formar una emulsión con aceite e incluso con cera.

Fresco: se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardan dos años.

Tinta: también llamada tinta china, es generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más empleados son el negro y el sepia, aunque actualmente se usen muchos otros más.

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Wolfgang Amadeus Mozart

Con 6 años su padre lo llevó de gira por Europa (Linz, París, Munich, Viena), donde alcanzó gran éxito. A los 8 años compuso su primera sinfonía, y a los 11 un oratorio y un drama. Poco a poco se fue convirtiendo en uno de los mayores genios de la historia. Fue un gran talentoso, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura y su capacidad para sorprender y emocionar.
La genialidad precozNació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre, Leopoldo Mozart, también compositor, fue su educador musical. Fue quien lo instruyó y quien lo promocionó artísticamente en su niñez. Con 6 años recién cumplidos su padre lo llevó de gira por Europa (Linz, París, Munich, Viena), donde alcanzó gran éxito. Un niño prodigio que conmovía a todos por su precoz genialidad. A los 8 años compuso su primera sinfonía, y a los 11 un oratorio y un drama. Poco a poco se fue convirtiendo, tras una severa educación musical, en uno de los mayores genios de la historia.
Además de con su padre, quien se ocupó de que tuviera una excelente formación, él estudió con los mejores maestros de la época, como Johann Christian Bach -el menor de los hijos del gran Johann Sebastián-en Londres y con el padre Martín, en Bolonia.
En 1767 la familia se estableció en Viena, y allí el niño Mozart comenzó a escribir una misa solemne, varias sinfonías, algunos lieder y, sobre todo, empezó a cultivar el género operístico que lo llevó a los niveles más altos. En 1769, con 13 años, fue nombrado maestro de conciertos del príncipe-arzobispo de Salzburgo, hombre que no supo apreciar el talento avasallante del adolescente.
Como Mozart quería seguir viajando, le pidió permiso al arzobispo quien lo despidió de su trabajo. Realizó su viaje por París (1777) y por Italia, donde estrenó varias óperas. A pesar de su deseo, Mozart no pudo quedarse en París, en cuyo viaje murió su madre que lo acompañaba. Por ello, tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo -gracias a que Leopoldo Mozart intervino para recuperar el puesto para su hijo-.
Pero el éxito llegó con sus primeras óperas, por lo que Mozart se pudo ir de allí e instalarse en Viena como músico libre. En aquella ciudad se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de su juventud. Los problemas de salud de ambos hicieron que vivieran en precariedad durante el resto de sus vidas, a pesar de que les sobraba trabajo (alumnos, conciertos, composiciones, encargos del emperador José II, etc.).
Mozart siguió escribiendo partituras: decenas de obras y óperas, como el "Rapto del Serrallo" (primera ópera en alemán), "Las bodas de Fígaro" (1786), "Don Giovanni" (1787). Hasta que volvió a realizar una gran gira de conciertos por Frankfurt, Munich, Mannheim y Magunci.
En 1791, a pesar de estar enfermo y lleno de deudas, se dedicó a escribir ansiosamente partituras. Tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito" (en ese mismo año), Mozart comenzó a trabajar en un encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem. él pensó que esa persona en realidad era una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo), pero parece que fue un melómano (el conde de Walsseg) quien se la encargó a escondidas para poder estrenarla como suya.
Mozart murió consumido por la tisis el 5 de diciembre de 1791, en Viena, antes de cumplir los 36 años. Y dejó sin terminar la que llegó a ser una de las más bellas composiciones de la historia. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura. Mozart fue enterrado en una fosa común, y a su funeral nadie acudió.

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Ludwig van Beethoven (1770-1827),

Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770, hijo de Johann Van Beethoven y María Magdalena Keverich.
Uno de los más importantes músicos y compositores de Alemania y del mundo, estudió con profundidad en una escuela de carácter excesivamente rígido. Su formación musical inicial la realizó con su padre, quien era tenor de la corte. A los 12 años comenzó a estudiar con el organista Christian Gottlob Neefe.
Si bien nació en Bonn y en 1789 comenzó a realizar tareas de músico en la corte para mantener a su familia, y compuso la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, que ya demostró su arte y dominio de la composición musical, fijó más tarde su residencia en Viena, donde estudió con Mozart y Haydn, aunque el primero de estos maestros falleció, lo que impidió perfeccionarse con sus lecciones.
Beethoven admiró pronto al público vienés con sus composiciones sinfónicas, con su armonía y su instrumentación, con su carácter innovador, con características del romanticismo y de la expresividad subjetiva que reflejan el gran conflicto interior del gran músico y compositor.
El scherzo moderno fue una creación de Ludwig Van Beethoven, quien lo desarrolló como sustituto del minué, que hasta 1800 solía ser el tercer movimiento de la sinfonía.
La vida amorosa del músico fue amplia; alrededor de 1812 sus amores tormentosos con Giulietta Giucciardi, una condesa de dieciséis años, que fue alumna de Beethoven, a quien dedicó la inmortal sonata "Claro de Luna".
En este período, la sordera de Beethoven avanzó tanto que ya no podía ejecutar en público, y necesitaba cuadernos para comunicarse con los visitantes.
Beethoven falleció el 26 de Marzo de 1827 en Viena.

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Miguel de Cervantes

Nació en Alcalá de Henares, probablemente el 29 de septiembre de 1547.Su padre, se llamaba Rodrigo de Cervantes y era cirujano, de ascendencia cordobesa y de antepasados gallegos. Su madre fue Leonor de Cortinas Sánchez, de quien poco se conoce.
Su nombre original habría sido, Miguel de Cervantes Cortinas. Sólo comenzó a usar el apellido Saavedra, para distinguirse de un homónimo desterrado de la Corte.
No realizó estudios universitarios. Vivió en Valladolid, a partir de 1551, y padeció la prisión a causa de sus deudas.
En 1566, se traslada a Madrid, donde concurre al Estudio de la Villa, dirigido por el catedrático de gramática Juan López de Hoyos, quien en 1569 publicó un libro, donde incluye tres poesías de Cervantes.
Fue camarero del Cardenal Giulio Acquaviva, defensor del cristianismo en la batalla de Lepanto, donde perdió la movilidad de la mano izquierda. De ahí procede el apodo de “ el manco de Lepanto”. Sin embargo, tras seis meses de permanencia en un hospital de Messina, Cervantes reanudó su vida militar en 1572. Fue cautivo esforzado y paciente en Argel, fracasado proveedor de la frustrada Armada Invencible, pero siempre y en todo, el más poderoso observador en los mil caminos de su vida y el más genial creador de fantasías. El novelista por antonomasia, encarnación del artista cristiano moderno.
Contrajo enlace el 12 de diciembre de 1584, con una joven de menos de veinte años, Catalina de Salazar y Palacios, pero el matrimonio no prosperó. Cervantes inauguró en la literatura española el tema controvertido del divorcio, visto con disfavor en un país católico.
Se radicó en Sevilla, para trabajar luego como cobrador de impuestos, y a causa de esta actividad fue acusado de defraudación al no poder devolver el dinero recaudado, por haberlo depositado en un Banco que quebró. Esto motivó su encarcelamiento, y desde su celda comienzó a escribir “Don Quijote de la Mancha”.
En esta novela inmortal de caballería, versión de un mundo de alto ideal y amasada en un sentimentalismo sublimado hasta lo absurdo, la novela de caballería fue la pasión de un siglo. En esta obra aparecen más de seiscientos personajes que se mueven en torno a la pareja inimitable de Don Quijote y Sancho, considerados como encarnación de la antinomia entre el idealismo y el empirismo, aunque a veces lleguen casi a identificarse e interferirse psicológicamente, sin que cada uno de ellos deje de ser fiel a su personalidad.
La primera parte, aparece publicada en 1605 bajo el nombre “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”. La segunda parte aparece en 1615, “El ingenioso caballero Don Quijote de la Mancha”.
En 1613, había publicado “Novelas ejemplares”. Estas doce novelas son el primer intento de novela corta orientado en diversos aspectos: como novela romántica, nos cuenta los amores y dolores, intrigas y equivocaciones de diversos personajes. Nueve Novelas Ejemplares pertenecen a este grupo: “La gitanilla”, “La española inglesa”, “La ilustre fregona”, “Las dos doncellas”, “La fuerza de la sangre”, “La señora Cornelia”, “El amante liberal”, “El celoso extremeño” y “El casamiento engañoso”.
Como cuadro de costumbres, de orientación satírica, en el cual el argumento cede el lugar a la descripción del escenario social, del ambiente moral, puede citarse “El coloquio de los perros” y “El Licenciado Vidriera”.
Con respecto a la novela picaresca resultó una de las tres formas de mayor importancia, junto a las novelas de caballería y la pastoril. Ejemplo de este género es “Rinconete y cortadillo”, presentación del mundo del hampa, donde se conjugan candor y picardía, ingenuidad y desenfado.
Sin embargo, la primera novela publicada por Cervantes, fue “La Galatea”, escrita en seis libros, en 1580. En ella, además de la buena prosa, hay aún mejores versos de amor platónico, en los cuales, como en todas sus novelas, revela Cervantes su afición por la poesía. Varias veces prometió una segunda parte, y aún la recordó en su lecho de muerte. Fue traducida a varias lenguas europeas.
En 1617, aparecen “Los trabajos de Persiles y Segismundo”. Según la opinión de Pfandl: “Su sentido cristiano del casto amor, que hace de la mujer no el premio, el objeto-fin, sino la compañera de las pruebas, la que sufre con el amado”.
Los protagonistas son personajes ideales, milagros de pureza, hermosura, prudencia y nobleza, no dominados nunca por la vulgaridad. Sin llegar al estudio detallista de la novela psicológica, describe las reacciones del amor, del odio, la esperanza, la alegría, el dolor y la amistad.
Su obra poética comienza con las cuatro composiciones dedicadas a “Exequias de la reina Isabel de Valois”. Otros poemas fueron: “A Pedro Padilla”, “A la muerte de Fernando de Herrera”, “A la Austriada de Juan Rufo”. Como poeta sin embargo destaca en el tono cómico y satírico, y sus obras maestras son los sonetos “Un valentón de espátula y greguesco” y “Al túmulo del rey Felipe II”.
Como dramaturgo, “La Numancia”, es una tragedia de inspiración nacional.
Los “Entremeses”, entre los cuales figuran “El retablo de las maravillas”, “Los dos habladores”, “La cueva de Salamanca”, “El Vizcaíno Fingido”, “El Juez de los divorcios”, “La guarda cuidadosa” y “El viejo celoso”, muestran gran acierto en su composición y animación.
Falleció en Madrid, el 22 de abril de 1616.

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William Shakespeare

(Stratford on Avon, Reino Unido, 1564-id., 1616) Dramaturgo y poeta inglés. Tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare.
Parece probable que estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce cuántos años y en qué circunstancias. Según un coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política.

Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. A ello ha contribuido también el hecho de que no se disponga en absoluto de escritos o cartas personales del autor, quien parece que sólo escribió, aparte de su producción poética, obras para la escena.
La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain’s Men, más tarde conocida como King’s Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars. También representó, con éxito, en la corte. Sus inicios fueron, sin embargo, humildes, y según las fuentes trabajó en los más variados oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le conocía ya como actor.
Su estancia en la capital británica se fecha, aproximadamente, entre 1590 y 1613, año este último en que dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar.
La publicación, en 1593, de su poema Venus y Adonis, muy bien acogido en los ambientes literarios londinenses, fue uno de sus primeros éxitos. De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia (1594) y los Sonetos (1609), de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglosajona.

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Bram Stoker (Irlanda, 1847-1912)

Abraham Stoker, nacio en Dublin el 8 de Noviembre de 1847. Fue el tercero de 7 hermanos. Su padre Abraham Stoker era funcionario, y su madre Charlotte Thornley, 20 años menor que su marido. Stoker era un niño enfermo y pasaba mucho tiempo en la cama. Crecio escuchando las historias de terror que su madre le contaba. Estudio matematicas en el Trinity College en Dublin, y se graduo con honores en 1897. Durante su epoca de estudiante, era presidente de la Sociedad de Filosofia de la Universidad.
Despues de graduarse se hizo funcionario. Trabajó en el Castillo de Dublin, e incluso fue promovido a inspector, pero nunca destaco por su labor funcionarial. Tambien trabajó como critico teatral durante 10 años, hasta que sale de Irlanda en 1876 como secretario y representante del actor ingles sir Henry Irving, junto al que dirigio el Royal Lyceum Theatre de Londres, donde se realizo la primera representacion teatral de su obra cumbre "Dracula".
Se caso en 1878 con la aspirante a actriz Florencia Balcombe, y tuvieron un hijo en 1879, Noel. Su matrimonio no fue feliz.
Para la realizacion de la novela "Dracula", Stoker conto con la ayuda inestimable de su amigo Arminius, quien descubrió en Bucarest dos manuscritos en lo que los turcos daban testimonio de las crueldades del principe valaco Vlad el empalador o Conde Dracula. Además, Stoker estudió las tradiciones vampiricas de Transilvania como el poema "La novia de Corinto", de Goethe (1797); "El Vampiro" de John W. Polidori (publicada en 1819); "Varney el vampiro" de Thomas Preskett Prest (1847) entre otras.
Stoker murio en 1912 en Londres despues de una penosa enfermedad sífilis.

Obras literarias
-The Primrose Path - 1875-El paso de la Serpiente (The Snake's Pass) - 1890-The Watter's Mou' - 1895-The Shoulder of Shasta - 1895-Dracula - 1897-Miss Betty - 1898-El Misterio del Mar (The Mystery of the Sea) - 1902-La joya de las siete estrellas (The Jewel of the Seven Stars) - 1903-The Man - 1905-Recuerdos personales de Henry Irving - 1906-Lady Athlyne - 1908-La dama del sudario (The Lady of the Shroud) - 1909-La Guarida del Gusano Blanco (Lair of the White Worm) - 1911.-El invitado de Dracula y otros relatos fantasticos (Dracula's Guest and Other Weird Stories). Publicada en 1914, el invitado de Dracula en realidad era la introducción de Drácula, que fue suprimida por los editores ingleses. Las relatos fantasticos lo componen relatos como La casa del juez, El secreto del oro multiplicado, Profecia gitana, La llegada de Abel Behenna, El entierro de las ratas, Un sueño de manos rojas, La piel roja, y Crooken Sands.

Edgar Allan Poe

(Boston, EE UU, 1809-Baltimore, id., 1849) Poeta, cuentista y crítico estadounidense. Sus padres, actores de teatro itinerantes, murieron cuando él era todavía un niño. Edgar Allan Poe fue educado por John Allan, un acaudalado hombre de negocios de Richmond, y de 1815 a 1820 vivió con éste y su esposa en el Reino Unido, donde comenzó su educación.
Después de regresar a Estados Unidos, Edgar Allan Poe siguió estudiando en centros privados y asistió a la Universidad de Virginia, pero en 1827 su afición al juego y a la bebida le acarreó la expulsión. Abandonó poco después el puesto de empleado que le había asignado su padre adoptivo, y viajó a Boston, donde publicó anónimamente su primer libro, Tamerlán y otros poemas (Tamerlane and Other Poems, 1827).
Se alistó luego en el ejército, en el que permaneció dos años. En 1829 apareció su segundo libro de poemas, Al Aaraf, y obtuvo, por influencia de su padre adoptivo, un cargo en la Academia Militar de West Point, de la que a los pocos meses fue expulsado por negligencia en el cumplimiento del deber.
En 1832, y después de la publicación de su tercer libro, Poemas (Poems by Edgar Allan Poe, 1831), se desplazó a Baltimore, donde contrajo matrimonio con su jovencísima prima Virginia Clem, que contaba sólo catorce años de edad. Por esta época entró como redactor en el periódico Southern Baltimore Messenger, y más tarde en varias revistas en Filadelfia y Nueva York, ciudad en la que se había instalado con su esposa en 1837.

Su labor como crítico literario incisivo y a menudo escandaloso le granjeó cierta notoriedad, y sus originales apreciaciones acerca del cuento y de la naturaleza de la poesía no dejarían de ganar influencia con el tiempo. La larga enfermedad de su esposa convirtió su matrimonio en una experiencia amarga; cuando ella murió, en 1847, se agravó su tendencia al alcoholismo y al consumo de drogas, según testimonio de sus contemporáneos. Ambas fueron, con toda probabilidad, la causa de su muerte.

para mas informacio visita: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/poe.htm

Opera

Pese a que rápidamente se difundió por todas partes, el embrión que fue la ópera primitiva arrastró una existencia precaria durante los primeros treinta años de su vida. Componíase este doble ancestro de una teoría, la pretensión de resucitar el ya largamente olvidado arte dramático de la antigua Grecia, y una práctica, los experimentos de drama y música del siglo XVI. Hoy día damos por descontado que la ópera es una forma musical. En los primeros tiempos y hasta el siglo XVII la ópera era considerada en primer lugar y fundamentalmente una forma literaria, siendo la música apenas un elemento incidental añadido. Cuando examinamos las óperas primitivas es fácil ver cómo se impuso esta idea. La palabra siempre tiene una mayor importancia y, sobre todas las cosas, los compositores perseguían una declamación clara y correcta y además la expresión musical de las ideas contenidas en la poesía.

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Literatura

Puede considerarse a la literatura no tanto como una cualidad o un conjunto de cualidades inherentes que quedan de manifiesto en cierto tipo de obras, sino como las diferentes formas en que la gente se relaciona con lo escrito. No es fácil separar, de todo lo que en una u otra forma se ha denominado "literatura.", un conjunto fijo de características intrínsecas. No hay absolutamente nada que constituya la esencia misma de la literatura. Literatura es cualquier texto que, por una razón u otra, alguien tiene en mucho. Éste término se refiere al papel que desempeña un texto en un contexto social, a lo que lo relaciona con su entorno y a lo que lo diferencia de él, a su comportamiento, a los fines a los que se puede destinar y a las actividades humanas que lo rodean.

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Arquitectura

Proviene del griego «αρχ», cuyo significado es «jefe\a, quien tiene el mando», y de «τεκτων», es decir «constructor o carpintero». Así, para los antiguos griegos el arquitecto es el jefe o el capataz de la construcción y la arquitectura es la tècnica o el arte de quien realiza el proyecto y dirige la construcción del edificio y las esculturas, ya que, para los antiguos griegos, la palabra «Τεχνη (techne)» significa saber hacer alguna cosa. En su sentido más amplio, William Morris dio la siguiente definición:
La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana : no podemos sustraernos a ella mientras formemos parte de la civiliazacion, porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en la superficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el puro desierto.»

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Escultura

Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos modernos".
Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas con la religión y los mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado también en algunos enterramientos de niños, muñecos de todo tipo, algunos articulados como las marionetas.
Las grandes civilizacionesantiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia , Egipto, Asia) realizaron grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes. Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana. Estas civilizaciones supieron admirar la escultura como Arte y dejaron para la posteridad figuras de adorno hechas por el simple placer de su contemplación.

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Danza

La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia, con una antigüedad de mas de 10.000 años, muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana.Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza, desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo, relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida.En la India, entre los hindúes, el Creador es un bailarín, Siva Nataraj hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación. En los primeros tiempos de la Iglesia en Europa, el culto incluía la danza mientras que en otras épocas la danza fué proscrita en el mundo occidental. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo occidental.

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CINE

La historia del cine comienza el 28 Diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumiere proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.
El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Mèliés quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzo a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubithsch, Alfred Hitchcok, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido el cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusierón guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.
Al cabo de los años la técnica permitio la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Maomulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevó". El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.
Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al Postmodernismo.

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Teatro

Se denomina teatro a la rama del arte escénico, relacionado con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas en un escenario, ante un público. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, el mimo, el teatro kabuki, la ópera china y la pantomima. Se llama también teatro al edificio destinado a la representación de estas obras dramáticas o a otros espectáculos escénicos. El término teatro proviene del griego Theatrón (lugar para contemplar). El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.

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Pintura

En el devenir de su historia, la pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que la han guiado y se han convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, casi invariablemente, en el arte del dibujo. En occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla.
Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple; tradicionalmente se pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes.
Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, el gouache, la grisalla y la acuarela. En los últimos años se ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.
Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y estilos artísticos, así como teorías relacionadas con la finalidad del arte para, en algunos casos, reaparecer en épocas posteriores con alguna modificación. En el renacimiento, la pintura al fresco en muros y techos cedió el paso a la pintura de caballete al óleo, pero se reactualizó en el siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos.
La necesidad de expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan diferentes como el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX. En el polo opuesto de los intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido pintores empeñados en representar exactamente los aspectos exteriores. El realismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión romántica, se han ido alternando a lo largo de la historia de la pintura, revelando afinidades e influencias significativas.


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Musica

La historia de la música es el estudio de la misma, y su ordenación en el tiempo.Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta (incorrectamente llamada música clasica).
La expresión de las emociones y las ideas a través de la música está estrechamente relacionado con todos los demás aspectos de esa misma cultura, como la organización polìtica y económica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50.000 años. Es por tanto una manifestación cultural universal.